Categoría: CULTURA

El banco español y la familia Zambrano acuerdan la administración a largo plazo del acervo que reúne 160 piezas con obras de Diego Rivera, Siqueiros, Orozco, Tamayo y María Izquierdo, entre otros.

Después de un tiempo de incertidumbre sobre el futuro de la histórica Colección Gelman, compuesta por 160 piezas entre las que destacan obras de Frida Kahlo, Diego Rivera, Siqueiros, Orozco, Tamayo y María Izquierdo, el banco Santander anunció que alcanzó un acuerdo con la familia Zambrano para la gestión del acervo.

“Este acuerdo es una gran expresión de la confianza y la amistad entre México y España, dos países con tanta relación económica, social y cultural. La Colección Gelman Santander es una de las más importantes del arte del siglo XX y una muestra extraordinaria de la riqueza artística de México. Es una noticia relevante que Santander, a través de su fundación, asuma la gestión de este conjunto artístico excepcional y contribuya a su difusión internacional”, dijo en conferencia de prensa Ana Botín, presidenta de Santander.

Ahora, el acervo se denominará Colección Gelman Santander y la Fundación Banco Santander asumirá su conservación, investigación y exhibición, bajo el compromiso de mostrarla en museos de todo el mundo. En la rueda de prensa se informó que el proceso contó con el acompañamiento de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

La colección se formó desde la década de 1940 por el matrimonio Jacques y Natasha Gelman, quienes establecieron en México un acervo centrado en la pintura moderna y contemporánea mexicana. Tras el fallecimiento de Jacques Gelman en 1986, Natasha Gelman siguió ampliando la colección asesorada por el curador estadunidense Robert R. Littman, a quien nombró albacea en su testamento. Tras el deceso de Natasha en 1998, Littman creó la Fundación Vergel para administrar el acervo a partir de 1999 y continuó incorporando nuevas obras. En 2023, la familia Zambrano llegó a un acuerdo con dicha fundación para adquirir la Colección Gelman.

El fondo incluye también obras de Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, Gunther Gerzso, Francisco Toledo y David Alfaro Siqueiros, además de una importante selección de fotografía mexicana de autores como Guillermo Kahlo, Graciela Iturbide, Gabriel Figueroa, Manuel Álvarez Bravo y Lola Álvarez Bravo. Banco Santander resaltó la presencia de 18 obras de Frida Kahlo (diez pinturas, siete dibujos y un grabado), entre las que destacan autorretratos icónicos como Diego en mi pensamiento, Autorretrato con collar y Autorretrato con monos.

Se informó que una primera selección de piezas será presentada en Faro Santander, coincidiendo con la inauguración de este espacio cultural en la ciudad de Santander el próximo mes de junio. “Con este acuerdo, Santander refuerza su compromiso con la cultura, la conservación del patrimonio artístico y la cooperación internacional, impulsando proyectos que contribuyen a preservar y difundir el legado cultural de los países en los que opera”, se señaló en el evento.

La Colección Jacques y Natasha Gelman

Se formó desde la década de 1940 por el matrimonio Gelman. Jacques se formó en Europa en el ámbito del cine y llegó a México en 1938, donde se estableció tras casarse con Natasha Zahalka en 1941. Impulsó la industria cinematográfica al producir películas exitosas y lanzar la carrera de Cantinflas, lo que le permitió financiar su pasión por el coleccionismo.

El matrimonio creó tres importantes colecciones: una de arte moderno europeo con 81 obras (donada al Museo Metropolitano de Nueva York en 1998); otra de escultura precolombina, y una tercera de arte moderno mexicano con más de 90 obras, iniciada con el retrato de Natasha por Diego Rivera en 1943.

Además de su labor de mecenazgo, mantuvieron una relación estrecha con artistas como Kahlo y Tamayo, contribuyendo al reconocimiento internacional del arte moderno mexicano. En las últimas décadas, la colección ha sido objeto de exhibiciones en instituciones como la Tate Modern, el Museo Reina Sofía y el Brooklyn Museum of Art.

Fuente: Milenio

Santander administrará la valiosa Colección Gelman- Grupo Milenio

La periodista Laura Tillman narra la poderosa historia real del chef Lalo García, un migrante que transformó su vida a través de la cocina

Ingredientes frescos de cocina (jitomates, pimienta, sal rosada, romero y ajo) sobre una mesa de piedra gris, acompañando el texto “Una historia que va de los campos a la alta cocina”, en alusión al viaje del chef Lalo García desde los campos agrícolas hasta la alta cocina.

“Para mí, este libro se trata de cómo se consigue el sueño americano… y del precio que se paga por alcanzarlo”.

Laura Tillman no es sólo la autora de El chef migrante, la biografía del reconocido chef Lalo García; es también una periodista que lleva más de una década viviendo y reportando desde México, movida por su fascinación por los temas sociales, la migración y la desigualdad.

Mi primer trabajo fue en Tamaulipas”, relata Tillman en entrevista exclusiva. “Después me mudé a la Ciudad de México en 2014. Aquí nacieron mis dos hijos. Y aquí también conocí a Lalo, lo que marcaría el inicio de este proyecto que me tomó varios años”.
El chef migrante es un libro que se adentra en la vida de un hombre que pasó de trabajar en campos agrícolas de Estados Unidos a dirigir uno de los cien mejores restaurantes del mundo. Pero también es una radiografía íntima de México, sus vínculos con Estados Unidos, y las fisuras de ambos sistemas.

Lo que comenzó como una curiosidad por la cocina mexicana se transformó en una inmersión profunda en las historias de desigualdad y migración que coexisten dentro de los restaurantes. “No quería sólo escribir de comida. Quería saber qué historias se cocinan ahí”, cuenta la autora.

Fue en esa búsqueda donde Tillman conoció a Eduardo “Lalo” García Guzmán, un chef carismático, complejo y resiliente. “Me sorprendió su manera de hablar sobre el hambre, sobre la cocina, sobre el privilegio y la pérdida. Entendí que su historia era mucho más que gastronómica: era humana, política, fronteriza. Lalo fue la primera persona que conocí con una vida tan llena de contrastes: alguien que fue niño migrante y ahora cocina en uno de los mejores restaurantes del mundo.”

El libro retrata cómo Lalo, siendo niño, cruzó la frontera con su familia para trabajar en condiciones infrahumanas en los campos estadunidenses. Años después, fue deportado a un país que apenas conocía, enfrentando la disyuntiva de reconstruirse desde cero.

Hubo muchos momentos clave, pero lo que más me impactó fue verlo en la cocina, moviéndose con una precisión impecable y hablando con una profundidad inusual. Era como estar frente a alguien que había vivido muchas vidas”, dice Tillman. “La cocina me mostró cómo transformar el dolor en algo bello que se comparte; es una forma de hacerle sentido a lo que no tiene sentido”, agrega.

A lo largo del libro, se abordan con rigor temas como la explotación laboral en la agricultura, el paso por el sistema penitenciario en Georgia, el regreso forzado a México y el ascenso de Lalo como chef de alto nivel. Todo ello hilado con una narrativa sensible, sin caer en sentimentalismos. “Los migrantes viven una transformación inevitable. No son ni de aquí ni de allá. Construyen una tercera cultura”, dice Laura.

El reto más grande fue ganar su confianza y lograr que me hablara con honestidad sobre su pasado”, admite Tillman. “Este libro habla del sueño americano, pero también del costo de alcanzarlo. ¿Qué se sacrifica? ¿Qué se pierde en el camino?”
Una de las claves del libro es su capacidad para hablar de grandes temas sin generalizaciones. “Intenté ser muy específica. Ir a momentos concretos, escenas reales, diálogos íntimos. No quería caer en estigmas ni en el discurso vacío del ‘héroe que lo logra todo’”. “Lo más difícil fue escribir sin caer en clichés: hablar desde lo concreto, desde escenas reales, no desde abstracciones.”

En ese sentido, Tillman construye una mirada transnacional sobre la identidad. “Después de convivir con tantos migrantes, entendí que esa experiencia transforma a las personas. No vuelves igual. No eres ni de aquí ni de allá. Eres algo nuevo”.

Yo no soy migrante por necesidad económica, pero vivir en otro país me cambió. Me transformó como periodista, como madre, como persona.”

Uno de los hallazgos más potentes del libro es que la cocina puede ser un acto de sanación, de sentido y de comunidad. “Para Lalo, cocinar fue una forma de resignificar su dolor, de construir algo con propósito. Su restaurante es más que un negocio; es una extensión de su historia”.

Máximo Bistrot Local, el restaurante fundado junto a su esposa Gaby López Cruz, es el escenario donde Lalo redefine lo que puede ser un chef: no solo un artista de los fogones, sino también un líder social, un empleador consciente, un agente de cambio.

El libro ha sido reconocido por la James Beard Foundation, uno de los premios más prestigiosos del mundo culinario. “Es un gran honor”, dice Tillman. “Espero que este reconocimiento sirva para visibilizar la desigualdad que todavía atraviesa nuestras cocinas”.

Cuando se le pregunta qué le enseñó esta historia sobre el poder transformador del trabajo culinario, Tillman responde con honestidad: “La cocina te da la oportunidad de transformar el dolor en algo bello, en algo que se comparte. Es profundamente humano”.

También reconoce que su perspectiva como periodista cambió. “Yo venía con la idea de que la alta cocina era algo lejano. Pero descubrí que muchas veces, las recetas más innovadoras vienen de la cocina de una madre migrante, o de un fogón rural”.

A lo largo de los cinco años de investigación, Tillman no solo aprendió sobre comida, también sobre México. “Me siento profundamente agradecida. Como extranjera, me abrieron las puertas, respondieron mis preguntas, incluso las más ingenuas. Fue un acto de hospitalidad impresionante”.

¿Qué mensaje dejaría a los lectores mexicanos? Tillman es cautelosa: “Hay muchos tipos de lectores. Pero si algo espero, es que este libro ayude a mirar con más empatía a las historias de quienes cruzan fronteras. Que entendamos que todos, de algún modo, participamos en un sistema desigual”.

La historia de Lalo García no es excepcional por lo dramática, sino por lo común. Cientos de miles de mexicanos cruzan la frontera cada año, enfrentando condiciones similares. Lo que este libro propone es detenernos y escuchar una de esas vidas con atención.

El texto también cuestiona la idea del éxito. ¿Qué significa triunfar? ¿Vale la pena si se deja atrás todo? ¿Qué se gana y qué se pierde al perseguir un sueño en otro país? El chef migrante no da respuestas fáciles, pero plantea preguntas urgentes.

Para Tillman, este libro marca un antes y un después. “Me cambió por dentro. No sólo como periodista, también como madre, como mujer, como migrante temporal. Aprendí a mirar distinto, a escuchar mejor”.

El chef migrante es, en suma, un libro que va más allá de la cocina. Es un relato sobre migrar, resistir, reconstruirse. Y sobre cómo, a veces, una simple comida puede contar toda una vida.

Finaliza Laura Tillman una conversación que ha movido las fibras sensibles que sostienen a dos culturas unidas por una frontera común. Y revela con evidente emoción:

Estoy llena de gratitud por la hospitalidad mexicana. Aunque soy extranjera, me abrieron las puertas de sus historias, sus cocinas y su confianza.”

Fuente: Excelsior

Cocina | Excélsior

Mexiac y sus voces grabadas en placa que claman por justicia eterna llegan al Museo del Estanquillo. Brito, director del recinto, dice que el artista michoacano desentrañó el ritual sagrado del grabado.

Adolfo Mexiac fue un artista que con buril en mano no solo cincelaba cobre, sino que liberaba el rugido silenciado de campesinos michoacanos, el eco de balas en Tlatelolco y la furia antifascista contra imperios que devoran soberanías.

Así llega Adolfo Mexiac y su tiempo al Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis, un homenaje que reúne 348 piezas entre grabados punzantes, pinturas vibrantes, fotografías crudas del movimiento estudiantil de 1968, dibujos íntimos, tapices tejidos con memoria, carteles incendiarios y libros que sangran historia.

La exposición estará abierta del 17 de enero al 30 de abril con entrada libre. Se trata de un pulso, un recorrido cronológico y temático por el México de la posguerra, donde Mexiac, visionario muralista y grabador, tejió su obra con las hebras de luchas olvidadas, explica en entrevista exclusiva, Alejandro Brito, director del museo.

La exhibición revela no solo al maestro del grabado, sino a un alma integral que danzó entre técnicas, como el óleo ardiente, la cerámica terrosa, el textil comunitario, para denunciar la miseria y encender conciencias. En tiempos de reformas laborales y tensiones geopolíticas, sus imágenes gritan con urgencia “pues él fue un visionario”.

El germen de esta iniciativa late en una donación conmovedora, como cuenta Brito con voz cargada de gratitud: “El núcleo de la exposición es la donación que hace la artista Patricia Salas, su viuda, de un acervo de grabados que realizó Mexiac en los años 50 y 60 para la Confederación de Trabajadores de México, la CTM, publicadas en los órganos de difusión de esa central. La donación fue de 545 y nosotros estamos exponiendo una muestra de ellos.
“Patricia Salas, impulsora de homenajes previos al Museo Nacional de la Estampa, enriquece el legado de Carlos Monsiváis, admirador ferviente del Taller de la Gráfica Popular, del que Mexiac fue pilar. Exhibiendo placas originales, impresiones en vinilo y piezas inéditas. La muestra desentraña el ritual sagrado del grabado: la incisión profunda, el ácido que muerde como la injusticia, el resultado final que late con calidad excepcional”.

Con raíces en una aldea michoacana, Mexiac nunca renegó de su origen. Fue un campesino que venía de una localidad muy pequeña en ese estado y jamás olvidó eso, siempre tuvo una relación y mucho interés con este mundo rural.

Desarrolló sus obras siendo parte del Taller de la Gráfica Popular y del Instituto Nacional Indigenista, fue así como ilustraciones didácticas para comunidades indígenas cobraron vida, al igual que fotografías inéditas que capturan la dignidad rural, rostros curtidos por el sol, campos infinitos, almas indígenas que miran desafiantes. Estas imágenes, usadas para potenciar su grabado, trascendieron como expresión autónoma, evocando un dolor palpable y una esperanza tenaz.

Contra el imperialismo
“El corazón emotivo late en el 68, donde Mexiac no fue espectador, sino forjador de rebelión. Estuvo muy presente en el movimiento estudiantil, también se solidarizó con los estudiantes y de una manera activa participó creando gráfica para el movimiento”, comenta Brito.

“Su famoso grabado ‘Libertad de expresión’, en el que representa a un indígena amordazado por cadenas, nacido contra el imperialismo yanqui, se viralizó en calles ensangrentadas, retomado por estudiantes como himno propio. Esa es una de sus obras más icónicas, realizada años antes, aunque en el 68 los estudiantes la retomaron como propia y se difundió masivamente ese año. En su taller se imprimieron volantes y carteles en favor del movimiento”.
La madurez de Mexiac despliega óleos apasionados, acuarelas etéreas, textiles que abrazan la tradición y cerámicas que narran tierra. Influido por José Chávez Morado, su faceta muralista brilla en un boceto de códice tallado, en el monumental San Lázaro. “Incluimos un boceto del mural, porque otra de las facetas de Adolfo Mexiac fue como muralista”, revela Brito para completar un retrato integral.

Afirma que sus grabados para la CTM resuenan como profecías actualmente: “Son piezas que tienen la intención de crear conciencia desde la denuncia de la explotación, de la miseria, del hambre, de la pobreza y de apoyo a causa sociales, por eso su obra tiene vigencia: la semana laboral de 40 horas, que será gradual desde este año; la defensa del petróleo y el rechazo a intervenciones, como ahora en Venezuela. Con su arte él clamaba por la soberanía de los pueblos”.
El director del Museo del Estanquillo asegura que Mexiac estaba muy comprometido con lo que sucedía en la política tanto a nivel nacional como internacional: “Con la sensibilidad que tenía, denunció y se alzó con su obra en una suerte de agitación. Contra la dominación yanqui, Mexiac lanzó mensajes masivos porque sabía que el arte agitaba almas.

Al cerrar el recorrido de la exhibición, el visitante se llevará una imagen más integral del trabajo del artista y además podrá relacionar la actualidad con muchos de sus grabados.

Como dice Brito: “Adolfo Mexiac y su tiempo es un llamado emotivo en el Estanquillo a valorar su legado histórico”.

El Museo del Estanquillo Colecciones Carlos Monsiváis se ubica en Isabel La Católica 25, esquina Madero, Centro Histórico. La entrada es gratuita.

Fuente: Milenio

El Museo del Estanquillo rinde tributo a Adolfo Mexiac- Grupo Milenio

Arely Oliva presentó “Billy el monstruo come calcetines”, que tiene un mensaje importante: Tener miedo está bien

Para escribir esta historia, Arely Oliva partió de un hecho que es común: a los niños les asusta la oscuridad. En “Billy el monstruo come calcetines”, les recuerda que tener miedo está bien, pues el protagonista, “les enseña que la valentía de su corazón es capaz de brillar aun en la oscuridad”, dice en entrevista con El Sol de México.

“Billy el monstruo come calcetines”, surge porque la autora desde pequeña y actualmente siendo madre, se pregunta dónde van los calcetines, ¿por qué se pierden? Es por eso que decidió que el monstruo, a cambio de la ayuda que le ofrecía a los pequeños, se iba a comer uno de sus calcetines.

La escritora se inspira en su vida o en experiencias personales para crear sus libros, que nacieron porque ella en su momento, fue una mamá que no tenía medios para inculcar la lectura en sus hijos.

“‘Billy’ no desaparece pues es parte de la imaginación de cada uno de nosotros, está dentro de ti, es esa valentía que nadie más que tú tiene, ese es ‘Billy’”, explica.

A la escritora le hubiera gustado tener más acercamiento a los libros desde temprana edad, que en lugar de enseñarle que eran aburridos, la acercaran a ellos. Ahora busca promover la lectura en los más pequeños, no como algo forzado sino divertido, con buenas ilustraciones e interesantes historias.

El acercamiento de la autora a la literatura no fue hasta que se convirtió en madre y se propuso inculcarles a sus hijos el mundo literario que a ella no le enseñaron, por lo que empezó a llevarlos a la librería y se llevaba libros infantiles no sólo para sus hijos, sino para ella también, ya que le parecían muy interesantes. La autora se sorprendió por lo sola que se encontraba la librería con tantos libros interesantes, así que comenzó a hacer promoción de la lectura en escuelas.

Este trabajo no es fácil, Arely Oliva se encuentra con obstáculos, no por los niños, sino por los adultos, maestros apáticos o papás que deciden no comprarles los libros y desaniman a los niños con comentarios como “para qué, si ni lo vas a leer”.

Para ella, ya sea en libros físicos o digitales, la literatura debe estar al alcance de los niños, “el chiste es que lean”.

Desde su primer libro, Arely Oliva se caracteriza por ser muy didáctica y este libro no es la excepción, pues en la parte final se pueden encontrar actividades como colorear lo que el pequeño se imagina en la oscuridad, hacer experimentos junto a “Billy” y otros materiales para que los pequeños descubran su creatividad.

“Son libros muy interesantes llenos de actividades que, si quieren alejar a sus pequeños de las pantallas, los libros de Arely Oliva son para ustedes”, finaliza la autora.

Fuente: El Sol de México

En este libro, un singular personaje ayuda a los niños a superar sus miedos – El Sol de México | Noticias, Deportes, Gossip, Columnas

Más allá de las excentricidades de creadores como el pintor español, este es uno de los movimientos artísticos más fascinantes del siglo XX, y y aún tiene mucho que mostrarnos

Esta casa al revés, en el paseo marítimo de Brighton, ofrece una perspectiva invertida, como dicen quienes suelen verla, prácticamente surrealista. / Foto: ZUMA Press Wire via Reuters Connect

Una exposición a gran escala sobre surrealismo, inaugurada en París en 2024, tendrá su única versión estadounidense, “Dreamworld: Surrealismo a los 100”, en el Museo de Arte de Filadelfia del 8 de noviembre de 2025 al 16 de febrero de 2026.

En el lenguaje cotidiano, se usa “surrealista” para referirse a cualquier cosa increíble, fantástica o extraña.

Como historiador y crítico de arte, me parece sorprendente que una palabra que se originó en la jerga arcana de los círculos de arte moderno de París hace un siglo se haya vuelto tan familiar. Desde los cafés y estudios de la década de 1920, el término se ha extendido al lenguaje común, tocando una fibra sensible en torno a la extrañeza y el absurdo de la vida moderna.

Pero el surrealismo, el movimiento que acuñó el término y lo adoptó como su apodo, era mucho más que una rareza ostentosa. Si sólo piensas en los relojes flácidos de Salvador Dalí, plagados de hormigas, o en sus bigotes extravagantes y su (mal)comportamiento aún más extravagante, te estás perdiendo la mayor parte de lo que sigue haciendo del surrealismo uno de los movimientos artísticos más fascinantes del siglo XX, y las lecciones que aún encierra.

El surrealismo fue fundado por un grupo de jóvenes artistas parisinos, en su mayoría escritores, que se reunieron en torno a la carismática figura del poeta André Breton.

Durante la Primera Guerra Mundial, Breton trató a soldados del frente que sufrían lo que entonces se denominaba “neurosis de guerra” y que hoy conocemos como TEPT. Esta experiencia le abrió a estados mentales alterados y le introdujo en nuevas ideas del psicoanalista vienés Sigmund Freud sobre la estructura de la mente humana.

En estados de psicosis, pero también en sucesos cotidianos como los sueños y los lapsus lingüísticos, Freud vislumbró una región inexplorada de la psique: el inconsciente. ¿Por qué, se preguntaba Breton, no deberían la vida y el arte tener en cuenta estos aspectos de la experiencia humana? ¿No debería reconocerse también el valor de la parte de la existencia dedicada a soñar?

En un manifiesto publicado en 1924, Breton exigió “la futura resolución de estos dos estados, sueño y realidad, aparentemente tan contradictorios, en una especie de realidad absoluta, una surrealidad, por así decirlo”.

Política de la revolución
Freud acuñó el término “trabajo onírico” para describir la actividad que transformaba los restos de los recuerdos del día en vehículos para la expresión de nuestros deseos inconscientes.

Para los surrealistas, soñar no era simplemente el reino de la fantasía ociosa. Entendían que la síntesis de la vida dormida y la vigilia prometía una liberación tan radical como la del movimiento obrero revolucionario de su época.

Creían que superar la contradicción entre sueño y realidad complementaría la lucha de clases entre el proletariado global y sus opresores burgueses. El surrealismo era mucho más que un mero proyecto artístico; era también un medio para alcanzar un fin político mayor.

A un siglo de distancia, estas afirmaciones pueden parecer grandilocuentes o delirantes. Pero 1924, el año de la fundación del surrealismo, fue solo siete años después de la Revolución Rusa. Los surrealistas apostaron por el poder tanto de la revolución del arte y la poesía modernos como de la transformación política de la sociedad.

“‘Transformar el mundo’, dijo Marx; ‘cambiar la vida’, dijo Rimbaud. Estas dos consignas son una para nosotros”, dijo Breton, hablando con un grupo de escritores en París.

Pero para 1935, cuando Breton pronunció esta sucinta formulación, la apuesta de los surrealistas por la revolución ya estaba prácticamente perdida. Con las purgas de Joseph Stalin en marcha en Moscú y Hitler consolidando el poder en Alemania, la ventana para un cambio radical que parecía haberse abierto en los años posteriores a la Primera Guerra Mundial se estaba cerrando definitivamente.

Pronto, los surrealistas se verían dispersados en el exilio por un nuevo conflicto global. Solo faltaba que los museos y bibliotecas recopilaran las reliquias de ese ideal embriagador y preservaran las obras de arte y los objetos efímeros que registraban la breve búsqueda del surrealismo por liberar las fuerzas del inconsciente en nombre de un mundo nuevo y más libre.

La asignatura pendiente
Los surrealistas buscaban seducir a su público. Esa seducción no se llevó a cabo para vender sus pinturas, ni siquiera para brindarles un respiro de sus vidas ajetreadas. Se hizo en nombre de la subversión.

Las obras de arte surrealistas, incluso cuando cuelgan plácidamente en las paredes de los museos o descansan discretamente en los estantes de las bibliotecas, conservan al menos vestigios de ese poder.

En mi opinión, los mejores escritos recientes sobre el movimiento logran recuperar esa urgencia, ese atractivo, para nuestra época.

El centenario del surrealismo es un recordatorio de la asignatura pendiente del movimiento: la seducción revolucionaria. Después de todo, como Breton recordó a sus lectores al final de su manifiesto de 1924, la vida no está ligada a las realidades del mundo tal como se dan actualmente. “La existencia”, insistió, “está en otra parte”.

Fuente: El Sol de México

Surrealismo: Una idea que va más allá de Dalí – El Sol de México | Noticias, Deportes, Gossip, Columnas

El evento propone un diálogo entre la memoria ancestral del territorio y las corrientes del techno.

La Ciudad de México será escenario de una de las experiencias más singulares de la electrónica
underground a finales de febrero, cuando RAÍCES: Deep Roots Sound That United tome forma el
viernes 27 de febrero a partir de las 21:00 horas en el Foro Hendrix.

¿Qué es el Foro Hendrix de la CDMX?

El Foro Hendrix es un recinto que se ha consolidado como punto de encuentro para propuestas
sonoras que desafían los límites convencionales del clubbing.

Concebido como un ritual contemporáneo, el evento propone un diálogo directo entre la memoria
ancestral del territorio y las corrientes más contundentes del techno, el hard techno y el house,
extendiendo su narrativa sonora hasta el amanecer. Venta de boletos en la liga https://raices-elritual.ticketapp.mx/.

El eje conceptual de la noche gira en torno a la idea del “Quinto Sol”, una noción profundamente
arraigada en la cosmovisión mesoamericana, reinterpretada aquí desde la tecnología, el diseño
sonoro y la experiencia inmersiva.

¿Qué es Raíces, el ritual electrónico?

Más que una sesión de música electrónica, RAÍCES se plantea como una ceremonia multisensorial
en la que la iluminación, los visuales y el uso de láseres se integran de forma orgánica al pulso
rítmico, construyendo un ambiente de claroscuros pensado para alterar la percepción del tiempo y
del espacio conforme avanza la noche.

En el centro de esta liturgia sonora destaca la presencia de Miroslav Ü, productor y performer que
ha llamado la atención dentro y fuera del país por su propuesta híbrida, en la que la música
electrónica dialoga con el náhuatl, los cantos rituales y elementos simbólicos de las culturas
prehispánicas.

Su trabajo no se limita a la pista de baile: cada set funciona como una narrativa identitaria en la que
sintetizadores, texturas industriales y referencias ancestrales conviven para generar una experiencia
profundamente espiritual, sin perder la contundencia propia del techno contemporáneo.

En RAÍCES, Miroslav Ü presentará un set concebido específicamente para este contexto
ceremonial, reforzando el carácter exclusivo del encuentro.

A su lado, DJ Fucci asumirá el papel de guía rítmico de la noche, aportando un enfoque sólido y
visceral que conecta directamente con la energía del hard techno y las estructuras más hipnóticas
del género. La combinación entre ambos artistas promete un recorrido sonoro en el que lo ancestral
y lo futurista se funden sin fisuras, creando un puente entre pasado y presente que define la esencia
del proyecto RAÍCES.

La experiencia se complementa con la participación de talento nacional que ha sabido consolidarse
dentro de la escena electrónica alternativa, con los sets de DJ Bella, Karla León y Yisusonacid,
quienes aportarán distintas lecturas del techno y la electrónica oscura, enriqueciendo la narrativa
sonora de la noche y reforzando el carácter colectivo del ritual.

¿Dónde comprar boletos para el concierto Raíces?

La jornada está pensada para desarrollarse de manera continua desde las 21:00 horas y prolongarse hasta las 06:00 de la mañana, momento en el que el primer rayo de luz marcará simbólicamente el cierre de la ceremonia.

En ese tránsito nocturno, la música, la tecnología visual y el concepto ritual se entrelazan para
ofrecer una experiencia que trasciende el formato tradicional de fiesta electrónica y se inscribe en
una búsqueda más profunda de identidad y conexión.

Los boletos para RAÍCES: Deep Roots — Sound That United se encuentran disponibles a través de Ticketapp, plataforma oficial para el acceso a este encuentro que promete convertirse en una de
las citas más significativas del calendario underground en la capital.

Con una propuesta estética y sonora cuidadosamente curada, el evento se perfila como un punto de
convergencia entre la electrónica contemporánea y las raíces culturales que siguen vibrando bajo la
superficie de la ciudad.

Fuente: Radio Fórmula

Raíces, el ritual electrónico que fusiona el techno y la cosmovisión ancestral | Radio Fórmula

El temazcal se ha utilizado desde las culturas mesoamericanas para fines terapéuticos, rituales de purificación y salud. Incluso los pueblos mesoamericanos lo consideraban un lugar sagrado para sanar enfermedades físicas y emocionales.

Gracias a sus beneficios, el temazcal sigue vigente en 2026, debido a que permite regenerar el cuerpo y espíritu, indica la Gaceta CCH.

Expertos de la UNAM indican que, en la actualidad, el temazcal es considerado como un espacio de purificación integral, debido a que el calor y el vapor ayudan a eliminar toxinas del cuerpo, sumado a que se considera que limpian la mente y el espíritu de malas energías, estrés y emociones negativas.

Es más que un simple espacio para limpiar el cuerpo; representa una experiencia holística de purificación, renacimiento y conexión con la naturaleza y lo sagrado.

¿Cuáles son los beneficios del temazcal?
De acuerdo con la Gaceta CCH, de forma histórica, el temazcal es utilizado para tratar dolencias físicas como dolores musculares, problemas respiratorios y enfermedades de la piel. Además, se considera que alivia tensiones emocionales y promueve la calma interior.

“En el contexto de ceremonias o rituales, el temazcal puede ayudar a liberar el sufrimiento emocional y facilitar la reconciliación interna”, indica la Gaceta CCH.

El Gobierno del Estado de Puebla indica que el temazcal se puede utilizar en padecimientos como:

Frialdad

Secreción de leche

Contracción de matriz (entuertos)

Cerrar la cadera

Liberación de tensión y relajamiento de los músculos

Desintoxicación

¿Qué personas no deben entrar a un temazcal?

Aunque el temazcal tiene diversos beneficios, el Gobierno de Puebla indica que personas con presión alta o baja no deben entrar a este lugar. Además, quienes padecen diabetes también deben tomar precauciones.

Debido a que el temazcal se realiza en un ambiente oscuro, puede desencadenar reacciones de desajuste mental, “por lo que no es recomendable para personas claustrofóbicas”, indica la institución.

Además, es recomendable que las personas con migrañas o dolores de cabeza frecuentes no se realicen baños de temazcal.

El Gobierno de Puebla alerta que “el baño de temazcal puede ocasionar problemas de corazón, como infarto al miocardio, estados de descompensación cardiovascular y síntomas de falta de circulación”. Ante ello, la institución sugiere solicitar atención médica ante cualquier anormalidad.

Fuente: El Sol de México

Más que vapor: el temazcal, la milenaria práctica de renacimiento que sigue vigente en 2026 – El Sol de México | Noticias, Deportes, Gossip, Columnas